Rara avis dentro de la industria del cine moderno, Michel Gondry ha demostrado a lo largo de su fructífera carrera un gusto marciano por los personajes extremos, o cuanto menos, llevados al extremo de la tensión emocional y existencial, con el objetivo de romper moldes, derribar esquemas preestablecidos y alejarse del tópico, con el objetivo de hacer partícipe al espectador de ese mundo interno y personal que tan bien sabe plasmar en pantalla.

Librarse en sus últimos filmes de la obligación compartida de creación del guión que suponía su colaboración con Charlie Kauffman, parecía suponer una prueba definitiva del talento creativo único de Gondry, y ha demostrado que tanto en "La ciencia del sueño", como el filme que nos ocupa hoy, "Rebobine, por favor", su labor no se ha visto especialmente resentida, siendo en su misma esencia, productos tan válidos como "Human Nature" y "Olvídate de mi" (su gran obra maestra).

En un argumento tan rocambolesco como guasón, el filme nos muestra el día a día de Jerry (Jack Black) y Mike (Mos Def), que ven transcurrir sus rutinarios días entre conversaciones banales que refuerzan su atípica pero entrañable amistad, con el videoclub de Elroy Fletcher (Danny Glover) como telón de fondo de las vivencias de esta entrañable pareja de amigos. Cierto día, Jerry tiene la desgracia de ver magnetizado su cuerpo, y eso provoca que todas las cintas del videoclub donde trabaja su amigo se queden en blanco, siendo un problema aún más acentuado teniendo en cuenta que el Sr.Fletcher se encuentra fuera y ha dejado al cargo a Mike. El remedio que encuentran los dos amigos de compensar este hecho, es crear con su cámara sus propias versiones de las películas del videoclub, promocionándolas además como "suecadas", es decir, versiones suecas de filmes de éxito, realizadas por ellos mismos. Lo que jamás pudieran imaginar, es que su trabajo iba a tener tanto éxito entre los clientes del videoclub.

Un argumento tan rebuscado, como bien resuelto, que da pie a una serie de set pieces de estupenda comicidad y clara trascendencia emocional e ideológica, como veremos a continuación.

Gondry se muestra especialmente contenido en su estilo habitual durante la primera parte del filme, resultando quizás por ello algo inferior a su tramo final, pero dejando claro que un cineasta con tanta inventiva visual también sabe adaptarse a los parámetros de un filme que sea capaz de llegar al espectador de manera liviana y carente de ese alocado germen de todo el imaginario de su director. Deja de lado su vanguardia cinematográfica, su estilo sincopado y su extremo énfasis en la metafórica esencia de sus imágenes habituales, para narrarnos, con una puesta en escena cercana y carente de efectismos de auteur, una historia que corría el riesgo de caer del lado de la comedia más insulsa, nada más lejos de la realidad, ya que consigue humanizar a sus personajes (algo que pese al artificio de su cine, siempre consiguió resolver de manera brillante), dotarles de personalidad y creando cierto gags visuales que demuestran que su estilo, pese a estar gobernado bajo los parámetros de un producto más comercial que de costumbre, no supone un inconveniente para narrar una historia con brillantez dentro de su modestia. Consigue además, un equilibrio importante entre fondo y forma, entre comedia y ternura, gracias a un guión que si bien no contiene las infinitas lecturas de sus obras anteriores, si que se mueve con soltura dentro de un producto más cercano al cine de estudio que ninguna obra anterior de su director. Por contradictorio que parezca, el filme supone un avance equitativo en la consolidación del estilo de su director, consiguiendo pulir de manera artesanal las aristas narrativas de su cine (quitando la perfección elemental de "Olvídate de mi"), y con ello, evitando desiguales contrapuntos entre el aspecto emocional y el narrativo (la palabra emocional adquiere un significado único en su cine).

Un aspecto a destacar en términos no tan positivos, es una cierta desigualdad argumental (que no de tono como comentaba anteriormente) entre los dos bloques narrativos que supone "Rebobine, por favor", ya que durante su primer tramo, Gondry se muestra algo domesticado en su estilo, consiguiendo salvar ese hecho con un humor atractivo, bastante inteligente y ayudado por la estupenda labor de sus actores. Tanto Jack Black (siempre al borde del histrionismo, pero en cambio, siempre saliendo victorioso de ese retrato del perdedor nato inconsciente de su no asumida condición de insignificancia), como Mos Def (que además de su labor como actor, fue un destacado rapero cercano a una visión intimista del icono gangsta) demuestran una empatía fuera de toda duda, resultando de una cercanía al espectador aplastante, su tierna y esperanzadora visión del mundo, contagia de vitalismo a toda una comunidad, empezando por el Sr.Fletcher y Alma (Melonie Diaz), finalizando con todos los vecinos de la zona. El segundo tramo del filme, es aquel en el cual Gondry demuestra una vez más, que su inventiva, aplicada al arte del cine puede dar como resultado una brillantez formal y metafórica excepcional. En ese tramo final, durante la creación del falso documental sobre el mito de Fats Weller, su director da rienda suelta a todo su estilo, aplicado a una historia de buenos sentimientos, y estando por ello tan cercano a toda la iconografía del trabajo anterior de su director, siendo ese segundo acto lo mejor de la película, resultando sublime en su creación de imágenes perdurables de especial significancia simbólica. Aplicando además, unos gags, tanto visuales como dialogados, estupendos y diabólicamente divertidos (el gag visual del pseudo-documental en el cual el falso Fats Weller se dispone a subir al avión y tiene que ir al lugar reservado a la gente "coloured" es de lo mejor, sino el mejor, que recuerdo desde hace mucho tiempo).

Esta historia en apariencia tan simplista, le sirve a Gondry para realizar su particular "Cinema Paradiso", en este caso, hablando con cristalina evidencia sobre la cultura del videoclub, en un alarde de añoranza de los tiempos pasados considerable. Su director muestra especial anhelo de recuperar aquella esencia de la tertulia de cine en estos establecimientos, siempre tan proclives a conversaciones reveladoras sobre este arte, sus gustos, sus imperfecciones y en definitiva, la gratificante sensación de cercanía que uno sentía al compartir esos gustos de manera intimista y entrañable. "Rebobine, por favor" esconde por ello una ligera visión desencantada de la tecnología aplicada al arte, no conformándose con lanzar sus dardos (poco envenenados , eso sí) hacia las nuevas tecnologías como el dvd o los proyectos ultramodernos , sino que además, aprovecha la coyuntura para crear una crítica evidente al mercantilismo cinematográfico ( de ahí la acertada doble linea argumental del derribo de su edificio y los problemas legales con sus versiones "suecadas" al enterarse los grandes estudios de cine, siendo todo ello un símil evidente del progreso como acto mercantilista en ambos casos), demostrando que pese a tratarse de una historia ligera, su espíritu impetuoso sigue intacto.

La otra gran influencia que recorre el filme, y que puede suponer un punto en contra para aquellos que demuestren una desencantada visión con lo que siempre ha supuesto el cine y que en los últimos tiempos ha cegado la visión de más de uno, es el personaje de Fletcher. La razón de existir de este personaje a lo largo del metraje, es crear una base con el tono que recorrerá todo el relato, ya que su bondad y buena fe, acerca toda la historia a un cuento de hadas moderno (aunque el final sea de un realismo aplastante), un personaje cuya único motivo de existencia es crear una sensación positivista, que corre el riesgo de ser considerada ( de manera incorrecta repito, sino revisen las obras capitales de la historia del cine) gratuita o manipuladora. Este hecho es tan absurdo como decir que las películas de Capra deberían ser rechazadas por su bondadosa posición moral (salvando las distancias, evidentemente), no debemos dejarnos arrastrar por esta época en la cual el acto bondadoso es visto con desidia o criticado por su alejamiento de la realidad, el cine es una fábrica de sueños, y saca lo mejor de nosotros mismos.

Un filme notable, que pese a esa desigual apuesta de interés por parte de su director, se posiciona como una carta de amor nostálgica hacia la verdadera esencia del cine, criticando de manera sutil y ligera el mercantilismo en el cual se encuentra nuestra nueva sociedad de consumo. Notable apuesta por el convencionalismo bien entendido.

Publicada el 2008-04-13
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